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Una pareja realmente internacional, Florian es holandés, Jing es de origen chino y, como ellos mismos dicen cuando presentan la filosofía en la que se basa su trabajo, aman conectarse, en el verdadero sentido de la palabra, con las diferentes culturas y sus países. Los dos, pareja en la vida y socios en el trabajo, como corresponde a un estudio de arquitectura cosmopolita abierto al mundo sin límites ni barreras geográficas, han realizado proyectos que abarcan Norteamérica, Asia y Europa y que son la prueba y reflejan una característica común, el compromiso personal y la pasión que los impulsa y los lleva a lograr una auténtica interacción con el entorno y con la comunidad. El análisis del espacio se hace no solamente desde el punto de vista físico, también se evalúan su evolución y su repercusión histórica y social, así como la perspectiva futura.

El Museo de Arte de Davis, primer museo de arte contemporáneo de la ciudad y de la universidad de California, es un ejemplo particularmente significativo de cómo estos dos arquitectos entienden el enfoque contextual. Una grande marquesina blanca domina el edificio, extendiéndose en un delicado gesto de bienvenida para cubrir la amplia área que lleva a la entrada. Se trata de una extensión de 50.000 pies cuadrados, quizás el elemento más distintivo del complejo, compuesto por vigas de ​​aluminio triangulares perforadas a la medida, fruto de cálculos de ingeniería y de gran maestría artesanal. El esquema repetido de secciones contiguas que se presentan diversificadas y de homogénea uniformidad, se extiende curvilíneo y con armoniosa fluidez a lo largo de toda la superficie de cubierta, vivificando los espacios debajo de ésta gracias a la alternancia de luces y sombras proyectadas a través de la permeabilidad del entramado perforado. Vista desde arriba, la secuencia de los segmentos que se enlazan para formar este manto de revestimiento sugiere el patrón geométrico de los campos agrícolas circunstantes, pero también refleja otras finalidades como la dinamicidad de la estructura que acompaña y acentúa la intensa actividad didáctica, no dedicada únicamente a las exposiciones, sino a variados programas artísticos. Otro detalle digno de destacar, su complejo ensamblaje logrado gracias a una experimentación e investigación de vanguardia, parece querer relatar con marcado énfasis cuán vivo e innovador es el entorno. Un escenario en el que se suceden un gran número de eventos, abierto a los estudiantes y al público, que podrán relacionarse y hacer arte de forma realmente anticonvencional. Después de la intervención el complejo ha eliminado los límites entre la parte institucional y la civil. Se presenta como un nodo focal público, al que todos pueden acceder, y esta nueva connotación la encontramos en la porosidad que se repropone en clave alusiva en la cubierta.

Jan Shrem and Maria Manetti Shrem Museum of Art, 2016, Davis Museum of Art. SO - IL + Bohlin Cywinski Jackson. Photo Iwan Baan /courtesy of SO - IL. 

A lo largo de la carrera de ambos se han presentado otras situaciones en las que el problema más relevante estaba constituido por un paisaje fuertemente caracterizado por un pasado con el que debía mantener una cierta coherencia, para no expresarse de modo estridente. Kukje Gallery en Seúl, centro de arte en el que exponen los artistas coreanos e internacionales más interesantes del panorama actual, enfrenta una dicotomía difícil de conciliar: satisfacer la exigencia formal de contenedor contemporáneo, lo más minimalista y esencial posible y la exigencia de adecuarse a un contexto histórico urbano del que forma parte. Una dualidad que se resuelve envolviendo la rigurosa desnudez de un cubo blanco, que se revela en discordante contraste con las viejas calles de guijarros y las tradicionales casas hannok, con el revestimiento impalpable de una malla metálica. El drapeado del velo, un gesto acorde con el desarrollo sinuoso de los techos de los alrededores, confiere continuidad y suaviza la rigidez de las líneas y contornos animados por los juegos de luces y sus reflejos. La malla, concatenación de una cantidad increíble de eslabones, ha sido realizada en el lugar y completamente a mano. Y es precisamente gracias a esta excelente solución que el conflicto entre el pasado artesanal y el presente basado en los procesos por ordenador logra una verdadera y real sinergia, y no un compromiso. La malla ha sido estudiada con ordenador y confiada a los artesanos del lugar, que la han realizado aplicando los métodos heredados a través de generaciones. Una verdadera celebración de este patrimonio vernáculo que se perpetúa y un homenaje respetuoso de los tiempos actuales que no quieren olvidar sus tradiciones ancestrales. 

Kukje Gallery in Seoul, South Koreal. SO - IL. Photo: Iwan Baan /courtesy of SO-IL

SO-IL no rechaza las técnicas más recientes y sofisticadas, trabaja en estrecha colaboración con los ingenieros y se sirve del modelado BIM para maximizar la eficiencia de los materiales, reducir los costes de mano de obra y garantizar tiempos más rápidos, sincronizando el equipo de proyecto-construcción, pero pretende que en la actualidad se profundicen y garanticen los métodos de una tradición que no debe desaparecer. Hay otro aspecto que merece ser considerado y que subraya con mayor fuerza emblemática esta recuperación, el hecho de que una galería, que alberga a los más altos representantes artísticos de vanguardia, manifieste reverencia por una época ya pasada y lejana. El presente, impregnado del pasado, transmite por herencia su esencia al futuro, asegurando el legado de esos valores que garantizarán a todos y cada uno el sentido de pertenencia. Estas sutiles y nuevas pieles, que caracterizan a ambos proyectos, han sido, con razón, interpretadas por algunos como un aura que los edificios irradian, una forma linda de esta pareja de comunicar emociones y de dialogar. 

La instalación 'Blueprint', que ha mostrado por una vez la fachada del Storefront for Art and Architecture de Nueva York envuelta en un plástico blanco, no se aparta de esta forma de lenguaje y transmite con su inmaculado, escultórico silencio, algo no expresado pero imponente. Con la técnica conocida como de la naftalina, utilizada para guardar las cosas por un tiempo, Liu y Idenburg han querido crear una pausa y hacer que los peatones reflexionaran sobre cómo mantener abierta la galería, caracterizada por amplias aberturas geométricas pivotantes, en pleno invierno. La intervención ha provocado, con su aparente inmovilidad, una reacción que ha proporcionado a los dos autores una satisfacción aun mayor, tan elocuente como inesperada. Al día siguiente de su realización, toda la envoltura estaba llena de grafitis. Podría decirse que la ‘animación’ ofrece una respuesta que muchos creadores hubiesen querido provocar. El hecho de haber recurrido a una bombona de spray para dejar una huella de colores sobre la tela blanca en un centro de arte, parece una provocación igualmente artística y hace comprender el deseo de enfatizar la total aprobación del proyecto.

‘Blueprint' Installation at Storefront for Art and Architecture in New York. SO - IL. Photo Iwan Baan /courtesy SO-IL.

La instalación, en cuanto expresión de duración limitada, satisface plenamente las exigencias de los dos arquitectos. Trabajar en proyectos temporales les ayuda, como ellos mismos afirman, a encontrar y ofrecer al mismo tiempo respuestas rápidas a ideas y condiciones que los fascinan y despiertan su curiosidad. Los procesos de implementación son céleres y para nada comparables con el lento proceso que caracteriza al mundo de la arquitectura. El género narrativo de la instalación atrae a ambos, porque es abstracto y fuertemente alegórico. A través de este tipo de expresión, en un cierto sentido universal, pueden comunicar en lo profundo con la gente y, al jugar con una deliberada ambigüedad que intencionalmente no toma una posición entre lo implícito y lo explícito, ofrecen a cada quien la posibilidad de leer e interpretar lo que tiene delante de sí en base a su propria experiencia, bagaje cultural y emocional.

En reconocimiento a su vena creativa y a sus bellísimas escenografías, el Museo de Arquitectura de Lisboa, MAAT, este año ha organizado la muestra ‘Currents- Temporary Architectures’, dedicada a 12 de estas realizaciones. ‘Pole Dance’, que con seguridad merece ser mencionada por su fuerza, vivacidad y colorido, definida por el Wall Street Journal como “el proyecto divertido de una pareja seria”, en 2010 ha obtenido para ellos la victoria en el concurso anual del MoMA PS1 Young Architects Program de Nueva York. Un conjunto de palos flexibles e inclinados, mantenidos unidos en la parte superior por una red elástica e instalados en el área exterior del PS.1 Contemporary Art Center, invitaba a la gente a saltar y rebotar sin zapatos en medio de una cantidad de pelotas de colores pastel intensos. El ambiente sumamente participativo proponía un juego que consistía en tratar de mantener el equilibrio del sistema interconectado. “Una fantasía de comunitarismo en red”, que más allá del atractivo y dinámico ambiente energético, tenía como objetivo poner en muestra los problemas urgentes de la ‘sostenibilidad' tanto geopolítica como existencial, concientizando sobre un sistema interconectado cuyo equilibrio se mantiene por nuestras acciones, además de por los factores ambientales estrechamente relacionados con los fenómenos atmosféricos. 

'Pole Dance' Installation in the courtyard of PS.1 Contemporary Art Center in New York. SO - IL. Photo Iwan Baan /courtesy of SO-IL. 

La espectacularidad de esta instalación ha sido realmente impactante y motivadora, la perfecta sincronía cromática de las alegres combinaciones de tonalidades vivas e intensas, asociada a mucha fantasía y sublimada por la actuación de los campeones norteamericanos de baile en barra, ha causado una respuesta emocional colectiva unánime que incluso hoy revivimos, pasados diez años, en los encuadres de las tomas fotográficas. Una coreografía de una frescura tal y tan placentera que quizás opacaba un poco en muchos de los entusiasmados participantes la verdadera razón por la que se quería llamar la atención. La inspiración alude a las manifestaciones teatrales de Oskar Schlemmer, artista alemán de la Bauhaus, cuyo trabajo, definido como una 'fiesta de forma y de color', utilizaba rígidos trajes geométricos y escenografías que en la escena se iban transformado con el movimiento de los cuerpos de los actores.

Son muchas otras las seductoras inspiraciones que dan vida a alegres interacciones en las que los participantes tienen la libertad de escribir el final. Habiendo escogido en 2011 la ciudad de Chengdu, que ya hace diez años presentaba emblemáticamente el dramático, rápido crecimiento urbano que se ha experimentado en China, han enfrentado el grave, difundido fenómeno, creando una narrativa lúdica con una estética encantadora, ‘Pollination’. Los ‘jugadores’ se invitan a alquilar una bicicleta y recibían una ‘bombas de semillas’, pequeños balones verdes y celeste llenos de simbólicas ‘semillas’ de supuestos, futuros plantas y embalses de agua, que debían dejar caer donde quisieran y en los lugares que según ellos serían los más apropiados, en una famosa plaza llamada Garden City, que, irónicamente, estaba completamente pavimentada con cemento. Un mapa especular digital monitorizaba y actualizaba al mismo tiempo el jardín mientras crecía gracias a la imaginación del individuo y de la colectividad. Un intento de responsabilizar y de hacer a los ciudadanos partícipes de lo que sucede en su propia ciudad. 


‘Pollination’ 2011, Chengdu Biennale in China. SO - IL. Photo courtesy of SO-IL. 

En un escenario que evoca el mundo de los cuentos de la selva, pero que supone advertencias que no comparten lo lindo del sueño, se mueven entre las plantas cuatro presencias con un aspecto realmente extraño y cubiertas de pies a cabeza con grandes escafandros translúcidos. Un momento sumamente catalizador que intriga por su fuerza carismática. Es la representación tan imprevista como magnífica de ‘L’air Pour l’air’, una sinergia entre efectos sonoros y ambientales, realizada con la contribución de la artista Ana Prvački y una pieza de la compositora Veronica Krausas en ocasión de la Bienal de Arquitectura de Chicago 2017. La colaboración con ‘especialistas’ de los sectores más variados es un componente vital que se repite frecuentemente en las realizaciones de SO-IL y que refuerza el fuerte magnetismo que se logra en los montajes.


'L'air Pour l'air' in Garfield Park Conservatory, Chicago Architecture Biennial 2017. SO - IL with Ana Prvački, Veronika Krausas & Chicago Sinfonietta. Photo Laurian Ghinitoiu / courtesy of SO-IL. 

La instalación, focalizada en la preocupación por la calidad del aire y las consecuencias de la contaminación ambiental en nuestras vidas, escoge como marco el exuberante fondo verde del Conservatorio del Garfield Park. Los actores, cada uno de ellos con un instrumento de viento, forman un cuarteto que toca y danza en este escenario vegetal, envueltos en telas blancas moldeadas en sus cuerpos y dejando un espacio mínimo, apenas suficiente, para abrazar los instrumentos y disponer del aire necesario para tocarlos. El blanco, en su pureza, tiene el potente efecto de resaltar en analógica contraposición la condición del riesgo al que estamos expuestos cotidianamente por el empeoramiento de la condición atmosférica de nuestras ciudades, como lo hace la música que, saliendo de las envolturas de tela, amplifica la importancia de nuestra respiración, transformándola en vibraciones sonoras. Los efectos y los reflejos de la red de PVC, provocados por el tipo de embalaje y los movimientos bajo la luz del día, aumentan la carga seductora de la creación. Una solución muy creativa y una forma sumamente poética de transmitir un mensaje que resulta preocupante.


'Breathe', Mini Living, Milan Design Week 2017. SO - IL. Photo Laurian Ghinitoiu / courtesy of SO-IL. 

Para terminar, quisiera cerrar con una mirada hacia ese futuro que podría reservarnos un nuevo tipo de vivienda, que nos permitirá relacionarnos con el entorno natural en el verdadero sentido de la palabra. En el distrito de Tortona, espacio dedicado a las nuevas fronteras del diseño y de la creatividad, en ocasión de la "Milano Design Week 2017", en un área no utilizada de 50m2 se ha creado un prototipo de vivienda que se adapta a lo que podría ser el tipo de vida del futuro. ‘Breathe’, respondiendo a las características que le confiere su nombre, se presenta como una especie de formación orgánica, similar a un nido que, habiendo crecido en la parte vertical de una pared que hace de soporte, por fin ha alcanzado su meta en el techo, en contacto con el cielo abierto. Envuelta por una malla blanca, flexible y semitransparente, hecha con un tejido con autolimpieza, capaz de purificar el aire, reciclable y reutilizable, podría decirse un ícono recurrente en el trabajo de SO-IL, una familia de tres personas puede vivir en el entorno circunstante, asistiendo a las variaciones climáticas y dejándose mecer de noche por el claror de la luna en el pequeño jardín de techo, en lo más alto del imperceptible bastidor modular metálico. Una casa llena de plantas, que recibe a sus huéspedes en la entrada con el calor de la grande cocina a vista, y conectada por completo por una escalera de caracol que une los tres pisos superiores destinados tanto al relax como al trabajo. Todo ha sido predispuesto para responder positivamente a los diferentes climas y para satisfacer las exigencias de los espacios y su microclima. Fácil de desmontar y de montar, nos anuncia experiencias no exploradas hasta el momento y una vida nómada. 

Virginia Cucchi

Credits: 

SO-IL 

http://so-il.org/

Jan Shrem and Maria Manetti Shrem Museum of Art, 2016
University of California, Davis
Team: Florian Idenburg, Ilias Papageorgiou, Jing Liu, Danny Duong, Seunghyun Kang, Nile Greenberg, Pietro Pagliaro, Andre Herrero, Madelyn Ringo, Jacopo Lugli, Kevin Lamyuktseung, Alvaro Gomez-Selles Ferndandez
Collaboration with Associate Architect: Bohlin Cywinski Jackson
Photographs: Iwan Baan /courtesy of SO-IL

Kukje Gallery- K3, 2012
Seoul, South Koera
Team: Florian Idenburg, Jing Liu, Ilias Papageorgiou, Iannis Kandyliaris, Cheon-Kang Park, Sooran Kim, Seunghyun Kang
Photographs: Iwan Baan /courtesy of SO-IL

Blueprint 2015
Storefront for Art and Architecture, New York, USA
Team: Florian Idenburg, Jing Liu, Max Hart Nibbrig
Collaborators: Sebastiaan Bremer

Pole Dance 2010
MoMA PS1 Young Architects Program Competition, MoMA PS1, New York, USA
Team: Ted Baab, Florian Idenburg, Iannis Kandyliaris, Daniel Kidd, Eric Lane, Jing Liu, Ryan Madson, Kenzo Nakakoji, Ilias Papageorgiou, Cheon-Kang Park, Liz Shearer
Photographs: Iwan Baan /courtesy of SO-IL

Pollination 2011
Chengdu Biennale, Chengdu, China
Team: Florian Idenburg, Jing Liu, Iannis Kandyliaris, Ted Baab, Nicole Passarella
Photographs: courtesy of SO-IL

L'air pour l'air, 2017
Chicago Architecture Biennial, Chicago, USA
Team: Florian Idenburg, Jing Liu, Ilias Papageorgiou, Seunghyun Kang, Anna Margit, Diandra Rendradjaja, Yan Ma, Qionglu Lei, Sophie Nichols
Collaboration with Ana Prvački, Veronika Krausas, Chicago Sinfonietta
Photographs: Iwan Baan, Laurian Ghinitoiu /courtesy of SO-IL

Breathe, 2017
Mini Living, Milan, Italy 
Team: Florian Idenburg, Jing Liu, Ilias Papageorgiou, Ian Ollivier, Pietro Pagliaro, Isabel Sarasa, Iason Houssein, Alvaro Gomez-Selles-Fernandez
Photographs: Laurian Ghinitoiu /courtesy of SO-IL